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Esculturas Al Aire Libre En La Venta D´Aubert En Matarraña

Esculturas al aire libre en la Venta D´Aubert en Matarraña

Estamos acostumbrados a ver obras de arte encerradas entre paredes de un museo y es poco habitual encontrárnoslas mientras caminamos por la ciudad y menos aún por el campo. Sin embargo, los galeristas de Albarrán Bourdais han querido escapar de esos límites concibiendo una exposición a lo largo de los viñedos de la bodega que adquirieron recientemente en Matarraña, denominada Venta D´Aubert. Sólo conozco un caso similar en España, el de la Fundación Montenmedio en Cádiz y sin lugar a dudas es un gran plan para los amantes del arte contemporáneo y de la naturaleza porque en ambos casos estamos hablando de artistas reconocidos internacionalmente. Les diferencia que en la Fundación Montenmedio hay una colección permanente que se enriquece anualmente con la adquisición de alguna obra, mientras que en la Venta D´Aubert desarrollan una exposición anual, lo que nos invita a visitar el espacio de forma más frecuente.

Junto a la casa, unos tubos blancos rectangulares de acero se acumulan unos encima de otros entrelazándose como si se tratara de un árbol o arbusto de la zona. Forman parte de la escultura del artista portugués Pedro Cabrita Reis (1956) que reutiliza materiales elementales industriales para crear sus instalaciones. Construye arquitecturas minimalistas que nos proporcionan una nueva mirada a los objetos.

Más adelante, del mismo artista, encontramos unos bancos construidos a base de ladrillos en el alto de una montaña, que nos inducen a sentarnos y contemplar el paisaje leyendo las palabras escritas sobre estas moles de ladrillo como amor, silencio o agua, otorgándoles un carácter poético. Nos invitan a reflexionar sobre nosotros y el territorio.

Pedro Cabrita Reis

“Blossom” (2023) de Pedro Cabrita Reies

Comenzamos el paseo y nos topamos con unas esculturas blancas y negras entre los árboles de la artista italiana Esther Stocker (1974) que recuerdan a papeles arrugados. Formas geométricas con líneas que siguen un patrón y generan estructuras. Al acercarnos descubrimos su dureza, haciéndonos reflexionar sobre las apariencias y la rigidez del sistema.

Esther Stocker

“Sin título” (2021) de Esther Stocker

Seguimos subiendo y en la cima de una de las montañas reposa una cama de mármol verde del artista francés Mathieu Mercier (1970). Bajo el título de “La última noche” nos lleva a meditar sobre si pudiera ser un lugar idílico para despedirse del mundo. Sin embargo, la dureza del mármol que contrasta con la esperada comodidad de la cama que sirve para descansar, genera extrañeza. Una referencia a Duchamp que colocaba objetos cotidianos, los “Ready made”, fuera de contexto elevándolos a obras de arte.

Mathieu Mercier

“Last Day Bed” (2023) de Mathieu Mercier

Desde allí podemos ver una pared con líneas curvas de colores cálidos inspiradas en el movimiento del fuego y que nos anima a descender y apreciarlo de cerca. Dos obras de la artista suiza Claudia Comte (1983), de la que describimos una de sus exposiciones en el TBA21 del Museo Thyssen. Comte investiga sobre la naturaleza, los bosques, el mar y su deterioro. La obra se completa con la reproducción de unas sinuosas líneas anaranjadas como parte de la etiqueta de una botella de vino que se cierra con un sello amarillo de cera que se desvanece configurando una curva más.

Le preocupan, además de los incendios, los corales que sufren el calentamiento de las aguas en las que habitan y que debemos tratar de preservar. Los reproduce en mármol blanco como homenaje a sus bellas formas, mostrando una clara influencia de Constantin Brancusi y de Jean Arp.

Claudia Comte

“Nikolai” y “Burning sunset” (2023) de Claudia Comte

Seguimos caminando y entre los árboles descubrimos unas ruinas sobre las que se ha colocado una palabra de neón verde que, sin embargo, corresponde a la palabra “amarillo”. Esta obra del artista francés Bertrand Lavier (1949) nos indica cómo el lenguaje y los símbolos pueden engañar nuestra percepción y ser interpretados de forma diferente en función del contexto.

Bertrand Lavier

“Amarillo” (2023) de Bertrand Lavier

Comenzamos a bajar otra vez y, tras observar una planicie colmada de socavones de jabalís que habían retozado sobre la tierra y los árboles durante la noche, apreciamos cómo surgen del suelo tres paredes de cristal y espejo que separan a tres grandes piedras idénticas, pero con distintas tonalidades. Sólo una de ellas es real, la blanca, mientras que las otras dos son reproducidas a escala y coloreadas generando una ilusión de realidad y ficción. Las piedras son colocadas de tal forma que si las observamos tras uno de los vértices de las paredes de vidrio contemplamos aparentemente una sola piedra en la que cada parte es de un color. Una vez más la percepción nos engaña por medio de un objeto como es el espejo y nos hace reflexionar sobre nuestra subjetividad. Esta vez a través de la artista polaca Alicja Kwade (1979).

Alicia Kwade

“Absorption” (2019) de Alicja Kwade

Por último, quiero citar mi obra favorita “Animitas”, del artista francés ya fallecido, Christian Boltanski (1944-2021). Quinientas campanillas japonesas se suspenden de unos alambres de bronce que son colocados según la posición de las estrellas el día que nació el autor. Cuelgan de ellas rectángulos de vidrio sobre los que se refleja la luz y que con el movimiento del viento hacen sonar las campanillas creando un entorno poético. Así se llaman en Chile los altares que suelen situarse en la carretera recordando los fallecimientos que han tenido lugar allí. Boltanski quiere representar así las almas de personas desaparecidas. Hijo de judíos, tuvo una infancia en la segunda guerra mundial que recuerda con terror y que reproduce haciendo énfasis en la ausencia, el olvido y la memoria.

Christian Boltanski

“Animitas” (2014) de Christian Boltanski

En total, dieciséis obras componen la muestra que se recorre en algo más de una hora y que nos permite disfrutar del arte en un contexto natural y diferente.

Hasta septiembre de 2024

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