Saltear al contenido principal
Colección Helga De Alvear En Cáceres

Colección Helga de Alvear en Cáceres

  • Arte

Me encanta aprovechar los viajes para hacer paradas artísticas y descubrir algunas joyas como ésta. En esta ocasión, de camino a Lisboa nos detuvimos en Cáceres para conocer el nuevo edificio de la colección de la galerista alemana Helga de Alvear (1936). Se trata probablemente de la mejor colección española del panorama artístico internacional contemporáneo. Una colección que empezó en 1967 y que ya cuenta con más de tres mil piezas.

Es tal el nivel artístico que me ha resultado realmente difícil seleccionar únicamente algunas de sus obras para mostrar la dimensión de la misma. Y lo que me ha fascinado no es sólo su edificio o las obras que alberga, sino las frases que acompañan a cada pieza y que definen la motivación del artista.

Nada más entrar nos recibe una apabullante obra del artista chino Ai Weiwei (1957). Una gran lámpara dorada con cristales rojos que representa el poder y la tradición chinas, cae sobre el suelo cuestionándolo en su integridad. El rojo alude al color de la bandera, a las celebraciones chinas, al comunismo y a la sangre derramada.

Ai Weiwei

“Descending Light” (2007) de Ai Weiwei

Tras ella, una sala dedicada a Goya, donde realmente comienza el recorrido de la muestra. Allí sus “Caprichos” dialogan con obras de otros artistas más actuales como Marcel Dzama (1974). A partir de ahí, se da otra vez un salto a trabajos más recientes.

No podía faltar una sala dedicada al gran artista danés Olafur Eliasson (1967) del que ya hablé en el blog, que produce grandes instalaciones ópticas que sorprenden al espectador. En esta ocasión juega con espejos y esculturas circulares para generar una impresión laberíntica, sensación de profundidad y multiplicidad. Los espejos nos hacen vernos en diferentes espacios inesperados y esa consciencia nos otorga responsabilidad.

Olafur Eliasson

“Echo Activity” (2017) de Olafur Eliasson

Alumno de Olafur, el argentino Tomás Saraceno (1973), crea estructuras escultóricas galácticas que se proyectan en los muros modificando la apariencia del espacio. Lámparas con pentágonos de cristal de colores conforman esferas agrupadas a modo de moléculas, que le proporcionan un aspecto planetario y poético.

Tomás Saraceno

“GJ 649 b/M+nl” (2017) de Tomás Saraceno 

Un placer encontrarse a artistas de la talla del italiano Lucio Fontana (1899-1968), creador del espacialismo, que pretendía romper con el espacio pictórico ilusorio y reemplazarlo por el espacio real. Para ello investigó el espacio rasgando obras pictóricas, lo que permitía observar el soporte del fondo otorgándole tridimensionalidad al lienzo. Aquí va más allá y lo que rasga es una escultura generando una nueva dimensión a la obra.

Lucio Fontana

“Concetto Spaziale, Natura” (1967) de Lucio Fontana

Otro italiano más actual, Michelangelo Pistoletto (1933), nos deleita con uno de sus espejos en el que pinta a un hombre sentado absorto mirando al móvil, aparentemente ajeno al espectador. El público al verse reflejado en el espejo se inmiscuye en el interior de la obra, conviviendo con la figura pintada que lee sin levantar la cabeza. Se genera un ambiente extraño y al mismo tiempo un golpe de realidad de la sociedad actual imbuida en la tecnología.

Pistoletto

 “Smartphone” (2018) de Michelangelo Pistoletto

Artistas como la escultora francesa Louise Bourgeois (1911-2010) con su obra “Familia” nos presenta tres delicadas muñecas de trapo que confecciona con su propia ropa, aludiendo a la mujer y a la maternidad, temas recurrentes en su obra, muy marcada por los traumas de su infancia. Los nórdicos Elmgreen & Drastet (1961 & 1968) cuestionan las estructuras políticas, sociales y culturales, como el mundo del arte, y para ello construyen unos cubículos blancos a modo de “white box” con el nombre de museo, que se elevan uno encima de otro como en un pedestal cuestionando lo convencional. A su lado tres pequeños hombrecitos de Juan Muñoz (1953-2001).parecen estar comentando la escena otorgándole un carácter narrativo.

Louise y Muñoz

Encontramos artistas españoles como Luis Gordillo (1934) o Ignasi Aballi (1958). De este último, “Papel Moneda” que consiste en billetes triturados de 5, 10, 20, 50, 100, 200 y 500 euros enmarcados, siendo el último cuadro una mezcla de todos los billetes. Recuerda a las pinturas monocromas pero, cuando el espectador es consciente de que está dándole un nuevo uso a un valor tan preciado como el dinero, un nuevo uso que probablemente le parezca de menor valor que el propio dinero, le hará cuestionar la pintura y el arte en general.

Aballi

“Papel moneda” (2007) de Ignasi Aballi.

El artista francés Philippe Parreno (1964) crea unas velas gigantes que son colocadas en una esquina de la sala y que parecen estar destinadas a una gran celebración. Y es que precisamente concibió esta serie que va numerando en función de los años que tiene el artista, en un momento significativo que desea recordar. Para ello llegó a un acuerdo con Cire Trudon, el fabricante de velas más antiguo del mundo, y realizó unas velas que pretendían conseguir el olor de la luna. Estas están constituidas de cera, pan de oro y algodón. Indaga sobre los límites de la realidad y la ficción, lo real y lo imaginario.

Parreno

“Candles” (2012) de Philippe Parreno

Cruzamos el charco y nos encontramos, entre otros, una gran serie de fotografías de la norteamericana Nan Goldin (1953). Le interesa la fotografía documental y fue reconocida por sus imágenes, que describían la vida sentimental y social de ella y de sus amigos, y donde predominaban los excesos de drogas y alcohol, la dependencia, la soledad, la depresión y la enfermedad. Decía que fotografiaba sin parar a quienes quería como un mecanismo automático para no perderlos. En esta obra fotografía a su amiga Cookie, consiguiendo un retrato narrativo de una época con una mirada muy realista.

Nan Goldin

“Cookie Mueller” (1976-1989-1990) de Nan Goldin

Hemos empezado con un artista chino y vamos a terminar con otro de la misma nacionalidad, Zhan Peili (1957), el padre del video arte en China. El artista dio a unos estudiantes chinos unos chicles americanos para que probaran ese símbolo de la modernidad al estilo de la Coca Cola. Interesado por su reacción, decidió grabar sus bocas mascando el chicle como una forma de apertura hacia la internacionalización.

Zhan

“Expand Constantly” (2000) de Zhang Peili

Podríamos seguir nombrando obras de renombrados artistas como “Angelus” de Joseph Boeuys, “Dos espacios” de Helena Almeida, “La victoria de Samotracia” de Yves Klein, “Pasajeros de autobús” de Cindy Sherman, “Shiboleth” de Doris Salcedo, “Power Tools” de Thomas Hirschhorn y obras de Tacita Dean, Joseph Kosuth, Kimsooja y Franz West entre otros. En total son 150 obras distribuidas en cuatro plantas de artistas españoles e internacionales. Una buena representación del panorama artístico contemporáneo. Finalizo con una de las frases que leemos en la muestra de Matt Mulican: “No es el mundo que tú ves, es el mundo que yo veo representando el mundo que tú ves”.

Esta entrada tiene 0 comentarios

Deja una respuesta

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *

Volver arriba