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“El Sueño Americano. Del Pop A La Actualidad” En Caixaforum

“El sueño americano. Del pop a la actualidad” en Caixaforum

Hay que reconocer que en Madrid tenemos una gran oferta cultural y artística, desde lo más especializado hasta lo más popular.

En Caixaforum habitualmente podemos disfrutar de exposiciones accesibles al público general e incluso a los niños que pueden completar su experiencia artística realizando manualidades en una sala contigua.

En esta ocasión fuimos a ver “El sueño americano”, una oportunidad para conocer el arte norteamericano desde la década de los 60 hasta nuestros días a través de obra gráfica, que irrumpió como técnica de experimentación de las artes visuales, y que nos permite profundizar en la sociedad norteamericana de ese momento.

En los años 60 el boom de la posguerra conllevó un auge en los medios de comunicación y en la publicidad incitando al consumismo como medio para mejorar la calidad de vida, que fue empleado por los artistas pop para expresarse en contraposición al expresionismo abstracto.

Andy Warhol junto a otros artistas de arte pop impulsaron el arte gráfico en sus distintas técnicas: serigrafías, litografías.. Aunque en sus inicios se mantenían algo escépticos, descubrieron que era una gran fuente de experimentación y de propagación.

Aristas como Jasper Johns, Robert Rauschenberg y Jim Dine se valieron de instituciones de grabado como la Universal Limited Art Editions (ULAE) en Nueva York o el estudio Gemini en los Angeles, para explorar en este campo.

En la muestra podemos contemplar iconos como Marilyn o Liz Taylor por Andy Warhol que quería reflejar la obsesión por la cultura de la fama en los medios de comunicación. Le suceden otros iconos como la estatua de la libertad en “I love liberty” de Roy Lichenstein o la bandera americana de Jasper Johns haciendo referencia a su significado dual de bandera y pintura con una ironía propia del neo dadaísmo.

Marilyn y Taylor Jasper Johns

“Marilyn” y “Liz Taylor” de Andy Warhol (1967)             “Flags” de Jasper Johns (1973)

Sin embargo, no todos los artistas siguieron ese lenguaje. Hubo una generación de artistas interesados en el expresionismo abstracto como Robert Motherwell o en la abstracción geométrica como Ellsworth Kelly y Frank Stella.

Frank Stells

“Purple Series” de Frank Stella (1972)

Al pop art le siguieron otros movimientos como el gestualismo, el minimalismo, el arte conceptual o el fotorrealismo. Con “Pinceladas” Roy Lichentein, empleando un lenguaje pop aludía a modo de parodia al expresionismo abstracto y gestual de artistas como Jackson Pollock o Robert Motherwell, que se expone precisamente a su lado.

Lichenstein y Motherwell

“Pinceladas” de Roy Lichenstein (1967) y “Automatism A“ de Robert Motherwell (1965-1966)

El minimalismo y el arte conceptual nacieron como oposición frente al expresionismo abstracto y al arte pop. Los primeros reducían la forma, el color y sus texturas para llegar a su esencia con ejemplos como Sol Lewitt o Donald Judd y los segundos daban más valor a la idea.

Donald Judd

Donald Judd. Sin título, 1961-1975

Como reacción contra la abstracción y el minimalismo vuelve a surgir el interés por la figuración con ejemplos como los retratos de Robert Longo con gran carga psicológica o el fotorrealismo con exponentes como los estadounidenses Alex Katz o Chuck Close.

Longo Alex Katz Chuck Close

“Eric” y “Cindy” de Robert Longo (1984), “Autorretrato” de Alex Katz (1927) y Chuck Close (1943)

El arte gráfico se empleó como herramienta política que cuestionaba el propio sueño americano abordando temas como el feminismo, la crisis financiera o la Guerra de Vietnam. Con “Vote McGovern” Andy Warhol retrataba a Richard Nixon apoyando su campaña presidencial de 1972. Y no olvidó a otros gigantes políticos como Mao, la persona con más seguidores en ese momento.

Sueño americano lideres

“Vote McGovern” y “Mao” de Andy Warhol (1972)

Jim Dine también retrató a los dos grandes líderes políticos, pero en este caso empleó la técnica de la serigrafía para maquillarles los ojos, labios y pómulos como a una mujer de forma satírica. William N.Copley invitaba a pensar en la situación que estaba viviendo Estados Unidos con la Guerra de Vietnam, las luchas políticas y raciales. Por último, “The atomic alphabet” expone no sólo el impacto de la bomba atómica sino la propia violencia de las guerras que bombardean informativamente las vidas de la sociedad americana.

Sueño americano detalle bomb

“Think/flag” de William N.Copley (1967), “Johnson y Mao” de Jim Dine (1967) y “The atomic alphabet” de Chris Burden (1980)

Por otra parte, se empleaba el arte como denuncia a las discriminaciones de raza o género. De esta forma podemos apreciar obras míticas como las de Guerrillas Girls, que desde 1985 trabajaron para denunciar la discriminación sexual y racista en el mundo del arte, especialmente en Nueva York. Con un lenguaje muy publicitario, por medio de carteles, como acción de guerrilla, exponían hechos con datos para propagar sus mensajes y concienciar de esas diferencias. Habitualmente se cubrían la cabeza con máscara de gorila y utilizaban pseudónimos de mujeres artistas fallecidas para mantener el anonimato. Otra artista que trata el tema de la raza y de la identidad es Kara Walker, siendo especialmente conocida por sus siluetas negras sobre fondo blanco a modo de sombras.

Guerrillas girls Kara Walker

“Do Women Have To Be Naked To Get Into the Met. Museum?” de Guerillas Girls (1989)  y “Restraint” de Kara Walker (2009)

El arte gráfico, aunque ponía en crisis la noción de obra única, supuso una revolución artística que fue aprovechada por los artistas de diferentes movimientos para experimentar y promover su obra de forma masiva y única.

Hasta el 31 de enero de 2021

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